Музыка XVIII века: какой она была?
На пути к классицизму
Прощаясь с барокко, нельзя не сказать, что интерес к музыке этой эпохи крепнет с каждым днем. В мире огромное количество музыкальных ансамблей, которые специализируются именно на барочной музыке, и все чаще она звучит в так называемом аутентичном исполнении, то есть на старых инструментах, в тех темпах (более медленных, чем принято в наше время) и так далее.
За кадром пока остались Испания и Англия — о них нужны отдельные рассказы в силу некоторых особенностей развития музыкальной культуры в этих странах.
Править балом сейчас будет Австрия. Но прежде чем перейти к титанам классицизма, хотелось бы посмотреть, как изменилась музыка за короткое время, на примере творчества других композиторов — не «венцев».
Вопрос о «переусложнении» музыки стоял давно. Хотя жители Лейпцига, приходя в церковь и слушая Баха, не находили ничего сложного. Более того, и окрестные крестьяне, приезжая в город, не высказывали никакого недовольства «сложностью» музыки. Напротив, скорее Бах мог услышать нарекания в «оперности» своей музыки, то есть в слишком красивых мелодиях. Где красота — там чувственность, а последняя не поощрялась. 
Картина Андреотти Федерико
Фото: liveinternet.ru
Несмотря на то что центром станет Австрия («венский классицизм»), музыка в других странах никуда не исчезала. Музыкальная культура — это процесс, все время что-то пишется. Музыкознание, кстати, — тоже процесс, все время совершаются новые открытия.
Этому веку мы обязаны и самому понятию «классика». С термином в истории музыки получилось противоречие: им одновременно описывается вся западная музыка, начиная со Средневековья, и (или) только период от барокко до эпохи романтизма. Впрочем, всегда возможно уточнение понятий: «классический» и «классицистский». Термины остаются терминами, а музыка остается музыкой. Тем более что много музыкантов находится на стыке эпох и стилей (Перголези, Доменико Скарлатти, Марен Маре).
Самое интересное, что почти вся музыка ХХ века определяется просто как музыка XX века — слишком большое разнообразие стилей. Слов пока не нашлось.
Сам термин отсылает к эпохе «классическая Греция». И он так же, как и все предыдущие стили, относится и к литературе, и к архитектуре, и к изобразительным искусствам. Впоследствии возникнет явление неоклассицизм — уже внутри романтизма, когда последний начнет «захлебываться в эмоциях».
Термин «классика» можно употреблять по отношению ко всей профессиональной музыке, термин «классицизм» — по отношению к музыке венских классиков и других композиторов XVIII века (за исключением представителей позднего барокко). Пока — так, как будет в дальнейшем — посмотрим. Жизнь продолжается. 
Картина Андреотти Федерико
Фото: liveinternet.ru
XVIII век — это ведь еще и век эпохи Просвещения. И музыкальный язык полностью изменился. Уравновешенность, сбалансированность, соразмерность, упорядоченность, ясность, простота, вера в разум — главные черты классицизма. Исчезла «многослойность» музыки барокко, огромную роль приобретает мелодия. Возникли новые формы и жанры: соната и симфония родом оттуда. Расцвела инструментальная музыка, хотя и вокальная не была забыта.
На этом, пожалуй, можно закончить с объяснениями: любой человек легко отличит музыку классицизма от любой другой. Единственное, что можно добавить: в XVIII веке в разных видах искусства еще существовало «рококо», также можно встретить словосочетание «галантный стиль».
Но лучше забыть все эти узкоспециальные вещи и просто поговорить о музыке. Для того чтобы ее понимать и любить, не обязательно вдаваться в технические детали, расставлять все по полочкам и навешивать ярлычки.
На пустом месте, как известно, мало что растет. Из чего же состоял «слуховой опыт» Гайдна и Моцарта? Из огромного пласта музыки их выдающихся современников. Четверо из них носили фамилию Бах.
Сыновья
Это были: Вильгельм Фридеман Бах — «галльский Бах» (1710−1784 г.), Карл Филипп Эммануил Бах — «Берлинский, или Гамбургский Бах» — (1714−1788 г.), Иоганн Кристоф Фридрих Бах, или «Бюккебургский Бах» (1732−1795 г.), Иоганн Кристиан (Христиан) Бах — или «Лондонский Бах» — (1735−1782г.).
Несмотря на разные жизненные пути, все сыновья оставили огромное количество произведений и оказали самое непосредственное влияние на творчество Гайдна и Моцарта, что последние всегда с благодарностью признавали. 
Карл Филипп Эмануэль Бах, Иоганн Кристоф Фридрих Бах, Вильгельм Фридеман Бах, Иоганн Кристиан Бах
Фото: intoclassics.net
Итальянцы
Двух крупных итальянских композиторов связала любовь к опере и жизнь в Санкт-Петербурге.
Джованни Паизиелло (1741−1816 г.) — мастер оперы, но большей частью комической. По приглашению Екатерины II приехал в Россию, где прожил 8 лет. Затем его пригласил Наполеон — в Париж. Но самые знаменитые свои оперы он написал именно в России (и поставлены были в Царском Селе). 
Виже-Лебрен, «Композитор Джованни Паизиелло», 1791 г.
Фото: ru.wikipedia.org
Тема «итальянцы в России» почти неисчерпаема, поэтому лучше перейти к еще одному итальянцу. Он, правда, жил в Испании.
Луиджи Боккерини (1743−1805 г.) благодаря сегодняшнему кинематографу «вернулся» к слушателям. Он известен главным образом как автор камерной музыки. Ему покровительствовали сильные мира сего — от прусского короля до испанского инфанта. 
Предполагаемый автор Помпео Джироламо Батони, «Композитор Луиджи Родольфо Боккерини», ок. 1764—1767 гг.
Фото: ru.wikipedia.org
Не буду уточнять рекламу, которая идет по российскому телевидению с музыкой Боккерини. Достаточно сказать, что как минимум два его произведения стали широко известны в последнее время. Его музыка звучит в английской черной комедии «Замочить старушку» и оскароносном фильме «Хозяин морей: На краю земли», в других кинокартинах. Точнее сказать, где только этот Менуэт не звучит.
И еще подготовила вступление классицизма в права — песня. Для Гайдна это была преимущественно крестьянская песня, для Моцарта — городская. Окружающий слуховой опыт включает в себя и то, что слышно непосредственно с улиц, на проселочных дорогах, в селах
И последнее: в недрах этого века все более крепло желание дистанцироваться от власти (светской или церковной). О том, как сложились судьбы у Гайдна и у Моцарта, и об их шедеврах можно прочитать в следующий раз.
Русская музыка 18 века — история, жанры, виды, первые композиторы
Вторая половина 17-го и 18-й век (петровская и послепетровская эпохи) являются переломным периодом в отечественной истории. Именно в 18 веке произошли многие значимые изменения в культурной и общественной жизни, на десятилетия предопределившие развитие государства.
все это не могло не сказаться на культурном облике страны. Большое место в духовной жизни людей стали занимать музыка и литература.
Положение народной музыки до Петра I
Но так было не всегда. В 1648 году под влиянием церкви, считавшей скоморохов «богопротивными», был издан царский указ, который запрещал скоморохам участвовать в торжествах и повелевал уничтожать их маски и музыкальные инструменты. Поэтому, начиная с этого времени, музыканты, исполняющие народные песни, переходили на нелегальное положение и лишались всех привилегий.
А с приходом к власти Петра I в 1682 году положение музыкантов существенно изменилось. Реформы Петра I дали толчок развитию всего светского искусства в целом и музыкального в частности.
Русская светская музыка 18 века – ассамблеи, салоны, маскарады, зарождение романса
При императорском дворце, а затем и в домах вельмож, появились первые инструментальные капеллы. Знать и аристократы организовывали открытые музыкальные вечера, так называемые «ассамблеи», которые мог посетить любой желающий. Прославились на весь Петербург концерты, проводившиеся еженедельно в доме тайного советника Бассевича. На них представляла репертуар европейских композиторов 18 века капелла герцога Голштинского. По негласному правилу молодым дворянам вменялось обязательное посещение ассамблей. Там они могли не только слушать музыку, но и общаться, танцевать и даже играть в карты.
В салонах и аристократических домах развивалось любительское (или «салонное») музицирование. Молодые дворяне обучались игре на клавесине, виоле, арфе, флейте, гитаре, клавикордах, сочинялись и исполнялись лирические канты, так называемые «арии» – прообразы будущих романсов.
Именно с распространением любительского («салонного») музицирования в русской музыке 18 века тесно связано развитие так называемой камерной музыки. Самыми популярными на домашних концертах были различные танцевальные пьесы – менуэты, полонезы, экоссезы, аглезы, контрдансы и другие. Не меньшей любовью пользовались и вариации на темы народных песен. Большое количество таких вариаций для скрипки написал и издал первый композитор И.Е. Хандошкин (1747–1804).
В середине 18 века в русской музыке века возник еще один уникальный «салонный» жанр – российская песня. Эти песни, по стилистике и исполнению очень похожие на лирические канты и будущие романсы, создавались на стихи русских поэтов, таких как А. Сумароков, Г. Державин, Н. Львов и другие.
Первые российские песни были изданы в сборнике «Между делом безделье», принадлежащего перу государственного деятеля и ученого Г. Теплова. Другие известные авторы российских песен – И.А. Козловский и скрипач-любитель М.Ф Дубянский.
Помимо ассамблей, Петр I учредил также придворные маскарады, торжества и пиршества с музыкой. Специально для царского дворца он выписал из-за границы группу иностранных музыкантов и певцов. В 1690-х годах царь утвердил Всешутейший, Всепьянейший и Сумасброднейший Собор – шутовской «орден», пародирующий своей деятельностью католическое и православное богослужение. Собор просуществовал более 30 лет. Все годы вдохновителем и организатором «ордена» был Петр I.
Возникновение русских военных духовых оркестров в 18 веке
«Любимая дочь русского народа» Елизавета Петровна, взошедшая на престол в 1741 году, продолжала прогрессивные реформы своего отца, особенно в области культуры. Ее эпоха вошла в историю как эпоха просвещенного абсолютизма.
Русская светская музыка 18 века при Елизавете Петровне – капеллы, симфонический и бальный оркестры
В 1763 году императрицей организована Придворная певческая капелла. Ее выпускники — первые русские композиторы М.С. Березовский и Д.С. Бортнянский — полностью реформировали русскую хоровую музыку, связав национальные особенности русского многоголосного пения с достижениями прогрессивных европейских музыкантов.
Первый русский композитор-классицист Д.С. Бортнянский (1751-1825), вернувшись из заграницы после обучения у итальянских профессоров, был назначен капельмейстером (директором) Придворной певческой капеллы. Именно при Бортнянском музыканты капеллы достигли новых вершин творчества. Сам композитор прославился как автор опер на французский текст, квинтетов, концертных симфоний и большого количества сонат и пьес для фортепиано.
Параллельно с певческой капеллой при дворе существовал особый оркестр, играющий только для императорских и приближенных к ним особ. Из среды придворного оркестра выделились такие талантливые русские композиторы, как В.А. Пашкевич и И.А. Хандошкин.
Постепенно в 1760-е года музыканты оркестра разделились на две принципиально различающиеся группы:
Исполнители оперно-симфонической группы принимали участие в театральных постановках, а исполнители бальной музыки играли популярные в то время мелодии на торжествах, пиршествах и балах.
Запись нот музыки в 18 веке
Развитие книгопечатания позволило в 1730 году впервые в стране воспроизвести с гравировальных досок ноты на бумаге, а в 1766 году изобретатель С.И. Башковский разработал способ наборного воспроизведения нот. Теперь в российских типографиях возможность делать нотные записи народных песен.
Были отпечатаны первые сборники фольклорных песен – «Собрание русских простых песен с нотами» певца и гусляра В. Трутовского, «Собрание народных русских песен с их голосами» поэта и фольклориста Н. Львова и чешского композитора И. Прача.
Темы и жанры русской профессиональной музыки 18 века
Профессиональные музыканты при написании своих произведений – опер, симфоний, увертюр, вариаций – часто использовали народные мотивы в своих работах. Поэтому сборники фольклорных песен сыграли значительную роль в творчестве первых русских композиторов.
Но все же народные песни чаще всего использовались в комических операх, которые в век просвещенного абсолютизма стали самым популярным жанром в русской музыке 18 века. (Знакомство же с первыми операми произошло еще в 30-е годы 18 века, в эпоху царствования Анны Иоанновны, но эти оперы не получили широко распространения. В частности, из-за того, что они исполнялись на французском или итальянском языке. Русской музыке 18 века требовался новый жанр — национальная опера.
Первые русские национальные оперы
В 1755 г. на российской сцене была поставлена первая опера, написанная на оригинальный русский текст и исполненная только русскими артистами, под названием «Цефал и Прокрис». Музыку написал знаменитый в то время композитор неаполитанской школы Ф. Фрайя, либретто (текст) – «придворный» драматург-классицист А.П. Сумароков.
Другие первые русские оперы – это
«Мельник – колдун, обманщик и сват» М. Соколовского, «Санкт-Петербургский гостиный двор», «Несчастье от кареты» и «Скупой» В. Пашкевича, «Сокол» и «Сын-соперник» Д. Бортнянского, «Ямщики на подставе» Е. Фомина.
Популярным автором русских опер был Е. Фомин (1761–1800) – первый русский композитор-трагик. Он написал оркестровую увертюру к мелодраме «Орфей и Эвридика» (1792) на текст Я. Княжнина, которая оказалась первым примером русской драматической симфонии. Вообще, мелодрама «Орфей и Эвридика», по мнению музыкальных критиков, является
«самым величественным памятником русского музыкального театра» той эпохи.
Концертная жизнь и гастроли в России 18 века
Концертная жизнь постепенно приобрела все более систематический характер. Для многих оркестров и театров, особенно крепостных, гастроли становились привычным делом. Помпезные оратории и хоровые концерты русской музыки имели огромный успех у самой разной публики.
Одновременно набирала обороты и сольная деятельность исполнителей. Большой известностью пользовались клавесинисты и органисты В. Пальшау, И. Гесслер, А. Сартори, которые выступали не только в частных домах для ограниченного круга гостей, но и на городских площадях, театральных подмостках, в расположениях воинских частей. Многие из сольных исполнителей подрабатывали также музыкальными наставниками у детей обеспеченных дворян.
Значение периода 18 века для русской музыки
Музыка в России 18 века – особое явление в истории отечественной музыки. В этот период произошли имевшие большое значение события:
Оркестры крепостных театров
Большое значение в культурной жизни России играл и крепостной театр. В стране и за рубежом был известен крепостной театр графа Нарышкина, конкурирующий по качеству исполнения не только с отечественными, но и европейскими театрами. Особенностью крепостных театров было использование роговых оркестров. Оркестры насчитывали десятки исполнителей. У каждого из них был рог, способный извлекать только одну ноту определенной тональности. Несмотря на кажущуюся простоту и даже примитивность исполнительских средств, роговые оркестры исполняли множество произведений из репертуара современной тогда музыки, включая симфонии Гайдна и Моцарта, а иногда принимали участие в оперных спектаклях.
LiveInternetLiveInternet
—Видео
—Поиск по дневнику
—Подписка по e-mail
—Постоянные читатели
—Статистика
Музыкальная культура 18 века.
В 19 в. первым ввёл термин «барокко» швейцарский историк Якоб Бурхардт. Он употребил его в пренебрежительном смысле как «вычурный», «причудливый», но слово прочно вошло в язык истории искусств.
В литературе классицизм представлен именами Корнеля, Расина, Мольера. Отличительные черты эпохи Просвещения стал процесс выявления национальных особенностей эстетического сознания разных народов, ярко сказавшийся на всем последующем становлении искусства. Французам с этой точки зрения был близок дух свободы, гармоническая простота чувств, свойственные классицизму. И, возможно, самым правдивым в данной культуре было то, что идеал разумного, справедливого бытия рисовался как мечта. Именно осознание дистанции между прекрасной сказкой и реальностью делают столь трогательными полотна Пуссено, пейзажи Клода Лоррена. Заметим, что идея абсолютного, праведного общества примерно в это же время всколыхнула и жизнь российского общества. Но наша история полна трагических примеров, когда утопически прекрасные земли с фанатической верой ищут в действительной жизни.
Великая французская буржуазная революция завершила эпоху Про-свещения. Писатели, художники, музыканты оказались свидетелями гранди-озных исторических событий, революционных потрясений, неузнаваемо преобразивших жизнь. Многие из них восторженно приветствовали измене-ния, восхищались провозглашением идей Свободы, Равенства и Братства.
Но время шло, и они замечали, что новый общественный порядок да-лек от того общества, наступление которого предвещали философы XVIII века. Наступила пора разочарования.
При всём стилевом и жанровом разнообразии можно выделить основные тенденции развития:
Русская музыка 18 века
В XVIII веке большинство европейских государств охватило просветительское движение. Благодаря реформам Петра I Россия активно включилась в этот процесс, приобщаясь к достижениям европейской цивилизации. Ее поворот в сторону Европы, породивший феномен «русской европейскости», произошел типично по-русски – круто и решительно. Взаимодействие с более устоявшимися художественными школами Западной Европы позволило русскому искусству пройти путь «ускоренного развития», освоив в исторически сжатые сроки европейские эстетические теории, светские жанры и формы.
Главное достижение русского Просвещения – расцвет личностного творчества, которое приходит на смену безымянному труду художников Древней Руси. Реализуется ломоносовская формула: «будет собственных Платонов и быстрых разумом Ньютонов Российская земля рождать».
Наступает время активного становления светского мировоззрения. Храмовое искусство продолжает свое развитие, однако постепенно отходит на второй план в культурной жизни России. Светская же традиция всемерно укрепляется.
В музыке XVIII века, как в литературе и живописи, утверждается новый стиль, близкий европейскому классицизму.
В петровскую эпоху продолжали развиваться такие национальные музыкальные жанры, как партесный концерт и кант.
На петровскую эпоху приходится кульминация в развитии хорового партесного пения. Блестящий мастер партесного концерта В.П. Титов занял место первого музыканта при дворе царя Петра. Именно ему было поручено написать торжественный концерт по случаю Полтавской победы, одержанной русскими войсками в 1709 году («Рцы нам ныне» – за сочинением утвердилось название «Полтавскому торжеству»).
В середине XVIII века стремление к хоровым эффектам в партесных концертах достигло гипертрофированных форм: появились сочинения, партитуры которых насчитывали до 48 голосов. Во второй половине столетия на смену торжественному партесному концерту приходит новое художественное явление – духовный концерт. Таким образом, в течение всего XVIII века русское хоровое пение прошло большой путь эволюции – от монументального партесного стиля, вызывающего ассоциации с архитектурным стилем барокко, к высоким образцам классицизма в творчестве М. С. Березовского и Д. С. Бортнянского, создавших классический тип русского духовного концерта.
Русский духовный хоровой концерт
В XVIII веке значительно расширилось жанровое содержание хоровых произведений. Возникли хоровые обработки народных песен, хоровая оперная музыка, танцевальная музыка с хором (самый знаменитый образец – полонез Козловского «Гром победы раздавайся» на слова Державина, который в конце XVIII приобрел значение государственного гимна Российской империи).
Ведущим хоровым жанром становится русский духовный концерт, служивший своеобразным символом древней отечественной традиции. Своего наивысшего расцвета духовный концерт достиг в екатерининскую эпоху (1762- 1796 ). Это было благоприятное время для российской культуры. Попытка возродить дух петровских преобразований во многом увенчалась успехом. Политика, экономика, наука и культура вновь получили импульс к развитию. Возобновилась практика обучения наиболее талантливых представителей науки и искусства за границей. Тесные культурные контакты России с просвещенной Европой не могли не повлиять на появление первых опытов профессионального композиторского творчества.
В этот период было создано более 500 произведений концертного жанра. К нему обращались почти все известные нам русские композиторы второй половины XVIII столетия.
Рожденный в недрах партесного многоголосия, духовный концерт на протяжении своего развития интегрировал два начала – церковную певческую традицию и новое светское музыкальное мышление. Концерт получил распространение и как кульминационная часть церковной службы, и как украшение придворных церемониалов. Он был средоточием тем и образов, затрагивавших глубокие нравственные и философские проблемы.
Максим Созонтович Березовский(1745-1777)
Имя Березовского называется в числе родоначальников классического хорового концерта a cap р ella : его произведения, наряду с творчеством итальянского композитора Галуппи, представляют первый этап в развитии этого жанра.
И в тексте, и в музыке концерта отчетливо звучит личная интонация. Это речь от первого лица. Просьба-мольба, взывающая ко Всевышнему ( I часть), сменяется картиной преследований человека злобствующими недругами ( II часть – «Пожените и имите его»). Затем следует новая тема – молитва надежды («Боже мой, не удалися» – III часть), и наконец, финал, полный протестующего пафоса, направленного против зла и несправедливости («Да постыдятся и исчезнут оклеветающии душу мою»). Уже тот факт, что всем темам концерта свойственны определенные, конкретные эмоциональные черты, говорит о принципиальной новизне стиля, преодолевающего абстрактную нейтральность тематизма партесного пения.
Четыре части произведения связаны не только единым драматургическим замыслом и тональной логикой, но и интонационными нитями: певучая тема, звучащая в первых тактах концерта, становится интонационной основой всех прочих образов. Особенно существенно то, что начальное интонационное зерно трансформируется в динамичную и напористую тему заключительной фуги «Да постыдятся и исчезнут. », которая является вершиной в развитии всего цикла.
Дмитрий Степанович Бортнянский (1751-1825)
Д. С. Бортнянский развил основной тип русского классического хорового концерта, соединив в музыке элементы светского музыкального инструментализма и вокальной церковной музыки. Как правило, его концерты имеют три части, чередующиеся по принципу быстро – медленно – быстро. Нередко первая часть, самая весомая в цикле, содержит признаки сонатности, выраженные в сопоставлении двух контрастных тем, изложенных в тонико-доминантовом соотношении. Возвращение в основную тональность происходит в конце части, но без тематических повторов.
Бортнянскому принадлежат 35 концертов для 4-голосного смешанного хора, 10 концертов для 2 хоров, ряд других церковных песнопений, а также светские хоры, в том числе патриотическая хоровая песня «Певец во стане русских воинов» на сл. В. А. Жуковского (1812).
Одно из глубоких и зрелых сочинений мастера – Концерт № 32, отмеченный П.И. Чайковским [7] как «лучший из всех тридцати пяти». Его текст взят из 38-го псалма Библии, где есть такие строки: «Скажи мне, Господи, кончину мою и число дней моих, дабы я знал, какой век мой. Услышь, Господи, молитву мою, и внемли воплю моему; не будь безмолвен к слезам моим. ». В концерте три части, но между ними нет контраста. Музыка отличается единством скорбно-элегического настроения и цельностью тематизма. Первая часть открывается темой, изложенной трехголосно и напоминающей псальму XVII века. Вторая часть – короткий эпизод строгого хорального склада. Развернутый финал, написанный в форме фуги, превышает по размерам первые две части. В музыке финала преобладает тихая нежная звучность, передающая предсмертную мольбу человека, уходящего из жизни.
Сборники русских песен
Для всей передовой русской культуры XVIII века характерен глубокий интерес к образу жизни, нравам и обычаям народа. Начинается систематическое собирание и изучение фольклора. Известный литератор Михаил Дмитриевич Чулков составляет первый в России сборник текстов народных песен.
В сборник Львова-Прача вошли 100 песен, многие из которых являются классическими образцами русского фольклора: «Ах вы, сени, мои сени», «Во поле береза стояла», «Во саду ли, в огороде». В предисловии к сборнику («О русском народном пении») Н. Львов впервые в России указал на неповторимое своеобразие русской народной хоровой полифонии.
Песни из этих сборников использовались как любителями музыки, так и композиторами, которые заимствовали их для своих произведений – опер, инструментальных вариаций, симфонических увертюр.
Русская национальная композиторская школа
С профессиональным освоением национального фольклора непосредственно связано становление во второй половине XVIII века первой в России светской композиторской школы. Ее рождение стало кульминацией русского Просвещения. Родиной школы был Санкт-Петербург, где расцвел талант самых ярких ее представителей. В их числе – основоположники русской оперы В.А. Пашкевич и Е.И. Фомин, мастер инструментальной музыки И.Е. Хандошкин, выдающиеся творцы классического духовного концерта М.С. Березовский и Д.С. Бортнянский, создатели камерной «российской песни» О.А. Козловский и Ф.М. Дубянский и другие.
По традиции предшествующих веков наиболее широко в век Просвещения развивались вокальные жанры, как светские, так и храмовые. Среди них выделяются духовный хоровой концерт, комическая опера и камерная песня. Как и в фольклористике, в этих жанрах сохраняется отношение к слову как к приоритетной основе музыки. Автором оперы считается либреттист, а автором песни – поэт; имя композитора нередко оставалось в тени, а со временем забывалось.
Русская комическая опера
Рождение национальной композиторской школы XVIII столетия было тесно связано с развитием русской оперы. Оно началось с музыкальной комедии, которая опиралась на комедийные произведения русских писателей и поэтов: Я. Княжнина, И. Крылова, М. Попова, А. Аблесимова, М. Матинского.
Комическая опера была бытовой по своему содержанию, с незамысловатой, но увлекательной фабулой из повседневной российской жизни. Ее героями были сметливые мужички, крепостные крестьяне, скупые и жадные богатеи, наивные и прекрасные девушки, злые и добрые дворяне.
Расцвету комической оперы способствовал талант выдающихся русских актеров – Е.С. Яковлевой (в замужестве Сандуновой, на сцене же – Урановой), крепостной актрисы П.И. Ковалевой-Жемчуговой, И.А. Дмитревского.
Выдающуюся роль в развитии русской оперы XVIII века сыграл Василий Алексеевич Пашкевич (ок. 1742-1797) – один из крупнейших русских композиторов XVIII века. Лучшие из его опер («Несчастье от кареты», «Скупой», «Санкт-петербургский гостиный двор») пользовались большой популярностью, они шли на сценах многих городов России до середины XIX века. Пашкевич был мастером ансамблевого письма, острых и метких комедийных характеристик. Удачно воспроизводя в вокальных партиях речевые интонации, он предвосхитил принципы, характерные впоследствии для творческого метода Даргомыжского и Мусоргского.
В другом своем сочинении – мелодраме [14] «Орфей» (на текст Я. Княжнина по античному мифу, 1792) – Фомин впервые в русской опере воплотил трагическую тему. Музыка мелодрамы стала одним из вершинных творений русского искусства эпохи Просвещения.
В увертюре, предшествующей мелодраме, во всей полноте раскрылось дарование Фомина-симфониста. В ней композитор с удивительным чувством стиля сумел передать трагический пафос древнего мифа. По сути, Фоминым был сделан первый шаг на пути создания русского симфонизма. Так в недрах театра, как это было и в Западной Европе, рождалась будущая русская симфония.
Оперы Фомина были по достоинству оценены лишь в середине XX века. При жизни композитора их сценическая судьба не была счастливой. Опера «Ямщики на подставе», написанная для домашнего театра, осталась неизвестной широкой публике. Постановка комической оперы «Американцы» (на либретто молодого И.А. Крылова) была запрещена (директору императорских театров не понравилось, что в ходе развития сюжета индейцы собираются сжечь двух европейцев).
Бытовая вокальная лирика
Огромное реформаторское значение в народном творчестве имело рождение нового пласта фольклора – городской песни. Она возникла на основе народной крестьянской песни, которая «приспосабливалась» к городскому быту – новой манере исполнения: ее мелодия сопровождалась аккордовым аккомпанементом какого-либо инструмента.
Жанр «российской песни» был теснейшим образом связан с фольклорной традицией. Не удивительно, поэтому, что многие авторские песни стали народными («Вот мчится тройка почтовая» Ивана Рупина на сл. Ф. Н. Глинки).
В конце XVIII века выдвигаются талантливые мастера камерного вокального жанра – Федор Дубянский и Осип Козловский. Созданные ими «российские песни», имеющие уже достаточно развитую фортепианную партию, более сложную форму, можно считать первыми русскими романсами. В них явно слышны отзвуки городского быта («Стонет сизый голубочек» Дубянского, «Милая вечор сидела», «Прежестокая судьбина» Козловского).
В «российских песнях» широко использовались стихотворения известных поэтов: Сумарокова, Державина, Дмитриева, Нелединского-Мелецкого. Своим образным содержанием они связаны с типичными настроениями искусства сентиментализма. Как правило, это любовная лирика: муки и услады любви, разлука, измены и ревность, «прежестокая страсть».
Большой популярностью пользовались также анонимные «российские песни», изданные Ф. Мейером («Собрание наилучших российских песен», 1781).
Камерно-инструментальная музыка
В 70–80-е годы XVIII века в России началось формирование профессионального камерного инструментализма. В это время русские музыканты осваивают сложные формы инструментальной музыки, разрабатывают жанры сольной сонаты, вариаций, камерного ансамбля. Этот процесс был тесно связан с повсеместным распространением домашнего музицирования. Музыка городского или усадебного быта в течение долгого времени оставалась той «питательной средой», в которой вызревали ранние ростки национального инструментального стиля.
Первые русские инструментальные ансамбли принадлежат Дмитрию Бортнянскому. Это фортепианный квинтет и «Камерная симфония», фактически представляющая собою септет для фортепиано, арфы, двух скрипок, виолы да гамба, фагота и виолончели.
Особенно любимыми были всевозможные танцевальные пьесы – менуэты, полонезы, экоссезы, контрдансы – и вариации на темы народных песен для различных инструментов. Множество таких вариаций для скрипки создал Иван Евстафьевич Хандошкин (1747-1804), представитель санкт-петербургской школы – композитор, выдающийся скрипач-виртуоз, дирижер и педагог. Хандошкин славился искусством импровизации, хорошо владел также игрой на альте, гитаре и балалайке.
В истории русской музыки имя Хандошкина связано с созданием национальной скрипичной школы. Большую часть его творческого наследия составляют вариации на темы русских народных песен и сонаты для скрипки, двух скрипок, скрипки и альта или скрипки с басом. С этими сочинениями русская камерно-инструментальная музыка впервые вышла из тесного круга домашнего музицирования, приобретя виртуозный размах. Важно и то, что в них достигнуто достаточно органичное единство европейского инструментального языка и русского фольклора. Исследователи считают, что мелодии некоторых песен, взятых композитором в качестве тем для вариаций, были впервые записаны им самим.
Вариации на русские темы для фортепиано писали Трутовский (например, на тему народной песни «Во лесочке комарочков много уродилось), Караулов, а также работавшие в России иностранные музыканты.
[1] Он был создан на основе хора государевых певчих дьяков.
[2] Особенно выделялись театры П. М. Волконского и Н. П. Шереметева (под Москвой).
[3] Роговая музыка, исполнявшаяся на открытом пространстве, существовала до начала XIX века.
[4] Роль иностранных музыкантов в развитии русской музыки была двойственной. Справедливые упрёки передовой общественности вызывало слепое преклонение аристократических кругов перед всем иностранным, связанное с недооценкой русского искусства. Вместе с тем деятельность иностранных композиторов, исполнителей и педагогов способствовала общему подъёму музыкальной культуры и воспитанию отечественных кадров музыкантов-профессионалов.
[5] «Виват» (лат.) – «да здравствует».
[6] Судьба его творческого наследия драматична: большинство сочинений композитора, звучавших на протяжении всего XIX столетия, оставалось в рукописях и хранилось в Придворной певческой капелле. В первых десятилетиях XX века весь богатейший архив капеллы с уникальными автографами многих русских композиторов был сожжен.
Успех и признание, покровительство высочайших особ пришли к Березовскому рано. Уже в молодом возрасте прославившись в России, он вскоре стал первым русским композитором, принятым в члены знаменитой Болонской академии. Однако, несмотря на все высокие отличия, вернувшись после 9-летнего пребывания за границей на родину, Максим Березовский не смог добиться сколько-нибудь заметного положения. Его зачисление в Придворную капеллу на скромную должность рядового служащего явно не соответствовало ни полученному зарубежному опыту, ни творческим возможностям. Очевидно, это вызывало у композитора чувство горького разочарования, хотя его хоровые духовные сочинения разучивались всеми любителями церковного пения и высоко оценивались современниками.
[7] Чайковский отредактировал все хоровые сочинения Бортнянского, вошедшие в издание Юргенсона (1885).
[9] чешский композитор, работавший в России. Подлинное имя Ян Богумир.
[10] Один из напевов использован Н. А. Римским-Корсаковым в опере «Садко» (дружинная песня 4-й картины).
[11] Лишь Е.И. Фомин окончил Академию художеств как композитор. Все остальные музыканты выдвинулись из среды придворных певчих и оркестрантов, поскольку специальных музыкальных учебных заведений в то время не было. Музыкальные кадры формировались, в основном, в Придворной певческой капелле, в военных и крепостных оркестрах, частных театрах, либо получали домашнее образование. В культурной среде XVIII века музыка занимала самое низкое положение, она целиком зависела от меценатства, а сам музыкант в аристократическом обществе занимал положение полуприслуги. Творения русских авторов нередко считались музыкой «второго сорта» по сравнению с произведениями немцев или итальянцев. Ни один отечественный мастер не достиг высокой должности при дворе.
[12] Умный и хитрый мельник Фаддей, притворившись всесильным колдуном, совершенно заморочил голову простодушным своим соседям. Впрочем, все заканчивается веселой свадьбой девушки Анюты и красивого деревенского парня Филимона.
[13] На почтовой станции – подставе – собираются ямщики. Среди них молодой ямщик Тимофей, который удался и лицом, и умом, и сноровкой. С ним молодая красавица-жена Фадеевна, любящая мужа. Но у Тимофея есть завистник и злейший враг – вор и пройдоха Филька Пролаза. Этот Филька мечтает сбыть счастливчика Тимофея в рекруты и завладеть его женой, давно ему приглянувшейся. И быть бы Тимофею солдатом, если бы не проезжий офицер. Он помогает освободить Тимофея как единственного кормильца крестьянской семьи от службы. В солдаты же попадает сам Филька.
[14] Мелодрама – театральная пьеса с музыкой, которая чередуется с декламацией, а иногда исполняется одновременно с произнесением текста.
[15] стихотворение на французском языке, положенное на музыку, называлось романсом.